sábado, 16 de octubre de 2021

STACEY KENT - "SONGS FROM OTHER PLACES" (2021)

 


Stacey Kent es una cantante de jazz en el molde de los grandes, con una legión de fanáticos en todo el mundo, una gran cantidad de honores y premios que incluyen una nominación al Grammy, ventas de álbumes superiores a 2 millones, oro, doble oro y
Álbumes con ventas de platino que han alcanzado una serie de posiciones No. 1 en las listas durante el lapso de su carrera. 

Una gran intérprete del The Great American Song Book y más allá, la música y las influencias de Kent abarcan varios géneros, un testimonio de su "espíritu errante e inquieto" como artista. 

 Estaba claro, incluso al principio de la Crisis de Covid, que en el encierro, la gente confiaba en la música y la imaginación para transportarlos y encontrar un sentido de conexión con el mundo más allá de sus propias cuatro paredes.
Como muchos de nosotros, Stacey Kent pasó el último año en línea, buscando formas de no perder el contacto con el mundo exterior. En
En un esfuerzo por mantenerse conectada, aterrizó en la idea de una colección de canciones que da expresión a nuestra deseo colectivo de vagar por el mundo una vez más a través de la música.

Acompañado al piano por Art Hirahara, Su Nuevo Album para Candid Records-"Songs From Other Places" incluye interpretaciones de canciones de Stevie.
Nicks (deslizamiento de tierra), Paul Simon (American Tune), Lennon & McCartney (Blackbird), Gershwin, Weil, Jobim como
así como dos nuevas canciones escritas con el autor ganador del Premio Nobel Kazuo Ishiguro.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de la Presentación de la cantante de jazz STACEY KENT - "Songs From Other Places".



ELIJAH ROCK - "MATTERS OF THE HEART" (2021)

 


Elijah Rock, nacido en Cleveland, es un ex niño soprano con formación clásica en bel canto (canto hermoso) y ahora un barítono profundo, vocalista de jazz clásico. Su pasión por el arte de la canción atemporal y el entretenimiento completo (también es un bailarín de claqué de clase mundial) lanzó un vuelo profesional que ahora incluye la presentación de su programa de entretenimiento digital con sede en Las Vegas "The Elijah Rock Variety Show", iluminando la pantalla en "Masters of Sex" de la televisión y autor del manual para hombres "The Fine Art of Romance".

El último álbum de Elijah Rock - "Matters of The Heart", fue producido por Suzi Reynolds, quien se centró en expandir sus voces de jazz, el arte de contar historias en una canción al estar presente y en su punto más vulnerable al acariciar una canción para sacar a relucir todo el espectro de emociones que acechan debajo de las palabras. ... a los héroes altamente estimados de Elijah Rock: Johnny Hartman, Billy Eckstine y Arthur Prysock en el lado del Jazz, y Franco Corelli y William Warfield en el lado operístico.

La tradición, el estilo y el romance se encuentran en la encrucijada de audio de los bulevares Ageless y Timeless en "Matters of Tthe Heart", la grabación de 10 canciones para estudiantes de segundo año del cantante barítono Elijah Rock. Y vale la pena esperar. Aquí, Rock continúa sus apasionadas excavaciones de la seductora banda sonora del amor e incluso contribuye con varios originales brillantes a la cerveza.

Elijah Rock interpretó la letra de la canción principal, "Matters of The Heart", en medio de una ruptura romántica mientras grababa un video musical en Tailandia. Goteando en el estado de ánimo de la madrugada con una letra que todos los que han perdido el amor se derretirán como mantequilla, la balada demuestra el estudiado espíritu afín de Rock, no solo a través de su vocalización, sino también de la escritura.

Estas raíces son evidentes en otra composición de Rock, "Gershwin For My Soul", coescrita con el gran piano de jazz Kevin Toney de The Blackbyrds cuando ambos trabajaban en la producción teatral, "Words by Ira Gershwin", sobre la vida de The Gran letrista de American Songbook. Rock absorbió las lecciones de manera exquisita.

“Mi objetivo con este proyecto, como siempre, es rendir homenaje y promover el legado de la herencia del jazz clásico estadounidense”, afirma Rock. "Hacer que esta música vital sea más significativa y universal para un público joven ... y joven de corazón".

Entre las 7 gemas de primera clase que Rock eligió excavar esta vez se encuentran el sencillo del álbum, "All I Need is The Girl" (el número melancólico pero ágil del musical "Gypsy"), "Boulevard of Broken Dreams" (completo con un video con lente en sus terrenos de paseo de Las Vegas Strip), la balada de película de ensueño "The Shadow of Your Smile", (arreglada por Les Rogers) y "Let's Call the Whole Thing Off" (grabado dos veces como solo y otra vez como dúo con la cantante y actriz Dominique Toney como dúo extra lúdico). Los estándares “Around the World” y “The Good Life” completan el programa. Los músicos de la lista A son el pianista Uli Geissendoerfer (quien co-compuso la canción principal con Elijah y arregló las listas de muchas de las otras canciones), el percusionista Pepe Jiménez y los bajistas John B. Williams y Mario Suraci (entre sus grabaciones finales ).

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de la Presentación Exclusiva del Nuevo Album del joven cantante américano de jazz Elijah Rock - "Matters Of The Heart".



jueves, 14 de octubre de 2021

EDWARD SIMON - "SOLO LIVE" (2021)


El pianista EDWARD SIMON ha estado en el centro de la escena del jazz durante el último cuarto de siglo, ayudando a dar forma a la música evolución a través de una serie de conjuntos y grabaciones seminales.

 Ahora aclamado como pianista, compositor, arreglista,
educador y líder de banda, EDWARD SIMON brindó una sacudida de inspiración como joven acompañante en bandas dirigidas por Bobby Watson, Greg Osby y Terence Blanchard. Como líder, ha grabado una serie de álbumes innovadores con reconocidos compañeros igualmente dedicados a fusionar corrientes afines en el jazz y la música latinoamericana. Pero nunca ha hecho un
álbum como "Solo Live", programado para su lanzamiento en Ridgeway Records en de octubre de 2021.

Grabado en la Piedmont Piano Company de Oakland en su 50 cumpleaños en 2019, "Solo Live" es el primero de EDWARD SIMON grabación sin acompañamiento (y solo su segundo álbum que documenta un concierto). Sin editar, es un retrato deslumbrante de uno de los improvisadores más elocuentes del jazz que investiga un escenario que se ha convertido en uno de sus principales medios durante la pandemia. Durante mucho tiempo receloso de actuar solo, una situación que deja a un pianista "realmente expuesto", describió la Piamonte Piano cita como “un acto de fe. Pero planeo tocar y grabar más piano solo ".

EDWARD SIMON nacido en Venezuela, es mejor conocido por colaboraciones de estrellas como el trío colectivo Steel House con el bajista Scott Colley y el baterista Brian Blade. Manteniendo presionada la silla del piano desde 2010, es el más antiguo actual miembro del Colectivo SFJAZZ.

 En 2020, Ridgeway Records lanzó el Album "25 años", una antología de dos discos.
extraído de 13 álbumes anteriores centrándose principalmente en sus composiciones y arreglos originales diseñados para músicos como los saxofonistas tenores Mark Turner y David Sánchez, los contraltos Miguel Zenón y David Binney, los bajistas Ben Street, John Patitucci y Joe Martin, y la vocalista Luciana Souza y Gretchen Parlato.

Sin un elenco de apoyo ilustre, Simon se quedó a su suerte el 27 de julio de 2019, una noche de celebración, rodeado de familiares y amigos en la sala de exposiciones llena de pianos de Piedmont Piano Company. Mientras "Solo Live" se reconfigura
El orden de las piezas que interpretó, el álbum refleja el flujo y reflujo cuidadosamente calibrado del concierto, con el primer tres pistas que se desarrollan en la secuencia original. Abriendo con una versión impresionante de "Lush Life" de Billy Strayhorn,
Simon da una clase magistral de dinámica, fluidez e invención melódica.
"Es una melodía extraordinaria, solo una de esas piezas atemporales que es tan profunda", dijo Simon. 

Simon ha asimilado claramente el trabajo en solitario de grandes del piano como Keith Jarrett y Chick Corea, a quien atribuye proporcionando inspiración para su versión de "Lush Life". Es la pista de apertura de Expressions de Corea, un solo piano de 1994 álbum que también hizo que Simon escuchara "Monk's Mood", una de las baladas más sublimes de Thelonious. 

Simon profundiza en los ritmos nudosos de "Monk's Dream" mientras revela la arquitectura armónica de acero de la melodía. Balanceándose con autoridad, captura la combinación singular de Monk de humor astuto y terrenal y curiosidad intelectual.

"Su música es introspectiva", dijo Simon. “Es una de las cosas que me atrae. Le pide que lo investigue, pero no necesariamente acercándote a ti. Hay un misterio que realmente amo"...La melodía y el ritmo armónico, donde caen los acordes, son realmente inesperados ".

La composición de Simon "Country" es la pista más larga del álbum. Grabado originalmente por Steel House en el colectivo el álbum debut homónimo del trío de 2015, la alegre interpretación en solitario de Simon, con su. alegremente, la melodía giratoria evoca la
salto sentido de posibilidad inspirado por moverse a través de un paisaje bañado por el sol. Es una pieza que parece gritar para la letra, y es probable que Simon vuelva a grabar la melodía con Luciana Souza cantando su verso original.

El álbum concluye tanto como comenzó, con una balada clásica estadounidense interpretada con paciencia y profundidad. empatía. Simon acaricia el asombrosamente triste y hermoso "Te amo, Porgy" de Gershwin con una intensidad silenciosa y sensibilidad. "Es una de esas piezas atemporales, como 'Lush Life', si te permites abrirte a ella, puede llevarte a esos lugares sobrenaturales ”, dijo. “Se necesita cierto nivel de madurez antes de poder capturar ese sentimiento. Tienes que
permítete sentir esa vulnerabilidad ".

"Solo Live" es tanto una instantánea de una noche en particular como un presagio de futuros desarrollos para Simon. Un pariente recién llegado a los recitales en solitario, ha pasado los últimos dos años centrándose en el formato exigente. “Siento que todavía estoy encontrando mi camino. Hay varios otros pianistas que lo hacen realmente bien y han dejado una fuerte huella. Escucho lo que han hecho los maestros, tomando lo que me inspira y tratando de hacerlo que es más o menos el proceso del jazz. Conoce lo que tienen los maestros hecho, y partir de ahí ".

EDWARD SIMON es un maestro que ha desempeñado un papel esencial en
expandiendo las fronteras del jazz en las últimas décadas. En este punto, ha pasado mucho más de su vida en los Estados Unidos que su tierra natal, pero Venezuela todavía proporciona la médula que sustenta la vida de su música. Nacido el 27 de julio de 1969 en el puerto petrolero de Punta Cardón, creció en un hogar lleno de música. Su padre era oriundo de Curazao en las Indias Occidentales Holandesas, e inculcó el amor por la música en sus hijos, el percusionista Marlon Simon, el trompetista Michael Simon y Edward.

Los hermanos tocaron música para bailar en fiestas y eventos locales, aprovechando una variedad de ritmos de Venezuela y más allá. “Mi hermano mayor tocaba timbales en ese momento, y teníamos nuestra banda tocando en fiestas privadas y aniversarios ”, dice. “En cierto modo, esa fuerte conexión con la pista de baile y los bailarines dejó una gran huella en me. Hasta el día de hoy, el ritmo es un elemento importante en mi música ".

EDWARD SIMON era lo suficientemente serio con el piano que a la edad de 15 años dejó Venezuela y se mudó solo a Pensilvania para inscribirse en la Escuela de Artes Escénicas de Filadelfia, una academia privada ahora desaparecida. Continuó su
estudios clásicos, pero también descubrió el jazz y, finalmente, se conectó con maestros de Filadelfia como el bajista Charles Fambrough y el guitarrista Kevin Eubanks, quien lo animó a mudarse a Nueva York. Aterrizando en Manhattan en 1988 a la edad de 19 años, rápidamente se estableció como una nueva voz vital. Una temporada de cinco años con el gran contralista Bobby Watson y una carrera de nueve años con el trompetista Terence Blanchard establecieron firmemente a Simon como uno de los miembros de su generación. acompañantes destacados.

Los proyectos para Sunnyside se han ganado un gran reconocimiento. En el "Live in New York" del 2013 en Jazz Standard, su maestría del formato de trío estaba al frente y al centro mientras se estiraba con Brian Blade y John Patitucci. 

Él siguió con su proyecto más ambicioso, la Suite Venezolana de 2014, una síntesis innovadora de post-bop y tradicional Formas y ritmos venezolanos para su Ensemble Venezuela de 10 piezas. Y en el Cancionero latinoamericano de 2016 interpretó canciones de toda América Latina con Adam Cruz y Joe Martin.

En muchos sentidos, Simon recién está comenzando. Al igual que con 25 años, una antología que volvió a centrar la atención en la Amplio alcance de su trabajo, "Solo Live" refleja el papel recientemente establecido de Simon como director artístico asociado de la Ridgeway Arts, organización sin fines de lucro del Área de la Bahía, una organización de arte, sello y presentador fundado y dirigido por Jeff Denson, el bajista, compositor y decano de instrucción en el Conservatorio de Jazz de California. Simon tiene algunas hermosas sorpresas.
en el almacén.

Los Eseperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar de la Presentación Exclusiva del nuevo album del pianista EDWARD SIMON - "Solo Live".



miércoles, 13 de octubre de 2021

VERONICA SWIFT - "THIS BITTER EARTH" (2021)


La joven cantante de jazz VERONICA SWIFT cambia el guión de "This Bitter Earth", la cautivadora continuación de su debut en Mack Avenue Records en 2019, "Confessions". Mientras que en "Confessions" se reprodujo como páginas de su diario personal, en el nuevo álbum, la cantante e intérprete maestra de canciones de 27 años mira hacia afuera mientras aborda los males sociales que azotan al mundo de hoy.

"This Bitter Earth" adopta las características de ciclo de canciones de LP clásicos como "What’s Going On" de Marvin Gaye, "Hounds of Love" de Kate Bush y "My Life" de Mary J. Blige. En su álbum, Swift aborda el sexismo ["Qué encantador ser una mujer"], el abuso doméstico ["Me golpeó (y se sintió como un beso)"], el racismo / xenofobia ["Tienes que ser enseñado con cuidado" ] y los peligros de las noticias falsas ["The Sports Page"].

VERONICA SWIFT esta acompañada por un equipo de espíritus afines que incluye al pianista Emmet Cohen, el guitarrista Armand Hirsch y el flautista Aaron Johnson, el bajista Yasushi Nakamura y el baterista Bryan Carter...VERONICA SWIFT cubre múltiples géneros, incluyendo jazz, musicales estadounidenses, R&B vintage y rock contemporáneo.

"He estado esperando hacer este álbum durante años", dice Swift antes de explicar que por lo general concibe sus álbumes con mucha anticipación. Grabó gran parte del material en 2019, antes de que la pandemia de coronavirus obligara al mundo a un estancamiento casi total. Pero el tiempo le permitió vivir con canciones en diferentes momentos de su vida. Finalmente, reconoció el tejido conectivo entre ellos. 

“Quiero que este álbum tenga dos enfoques separados”, explica. “Quería comenzar con el lugar de la mujer en la sociedad ahora y cómo está cambiando. Durante la segunda mitad, quise abordar otras dolencias en el mundo, ya sea racismo o noticias falsas. Pero no adopto ninguna postura política. Tengo muy claro con mi audiencia que, como artista, abordo ciertos problemas como un extraño mirando hacia adentro.

El álbum se abre con la conmovedora interpretación de Swift de la canción característica de 1960 de Dinah Washington, "This Bitter Earth". Animado por el arreglo de cuerdas de Steven Feifke, Swift infunde al canto fúnebre melancólico una nueva sensación de inocencia perdida. "Siempre he querido introducir una atmósfera más orquestal en mi música porque esa es una parte muy importante de mi educación artística", dice Swift, aludiendo a sus años de formación cantando jazz antes de cumplir los 20. "Sabía que quería empezar con 'This Bitter Earth' porque presenta de forma general todos los temas del álbum".

"This Bitter Earth" se cierra con una nota alta con el cambio de imagen de Swift del himno art-rock de 2006 de "The Dresden Dolls"-"Sing". "Se trata de energía cíclica", dice Swift. “La canción contiene múltiples temas sociales y políticos. También hizo lo que estaba tratando de hacer, que es no tomar opinión política. Siempre sentí que cantar era rezar. Elegí terminar el álbum con esta canción con la esperanza de que todos podamos sentir el uno por el otro, ya sea que estemos en desacuerdo en algunos temas o no ". Ahora, con "This Bitter Earth", su segundo álbum solista continúa el ascenso de Swift como portadora de la antorcha del jazz del siglo XXI.

Acerca de Veronica Swift:
Todavía relativamente temprano en su carrera profesional, Swift ya ha desarrollado un repertorio impresionante. Criada en Charlottesville, Virginia por sus padres, el pianista Hod O’Brien y la cantante Stephanie Nakasian, grabó su primer álbum, Veronica's House of Jazz, cuando solo tenía nueve años. Además de actuar con sus padres, Swift cantó y tocó la trompeta con The Young Razzcals Jazz Project de Dave Adams, lo que le brindó la oportunidad de actuar en el Festival de Jazz de Telluride.
Después de lanzar su segundo álbum, It's Great to Be Alive, cuando solo tenía 11 años, Swift continuó actuando en lugares importantes como Dizzy's Club Coca-Cola en Jazz at Lincoln Center en la ciudad de Nueva York. Después de la secundaria, asistió a la Universidad de Miami, donde obtuvo su licenciatura en 2016.

Antes de graduarse de la universidad, Swift compitió en la Competencia Vocal Internacional Thelonious Monk 2015, en la que ocupó el segundo lugar. Dos años más tarde, se mudó a la ciudad de Nueva York para avanzar en su carrera y desde entonces ha actuado y / o realizado giras con una gran cantidad de luminarias del jazz, incluidos los trompetistas Wynton Marsalis y Chris Botti, y los pianistas Benny Green, Michael Feinstein y Emmet Cohen.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de la Presentación Exclusiva del Nuevo Album de la joven cantante améicana de jazz VERONICA SWIFT - "This Bitter Earth".




martes, 12 de octubre de 2021

CHRISTIAN McBRIDE & INSIDE STRAIGHT - "LIVE AT THE VILLAGE VANGUARD" (2021)


El gran contrabajista contemporáneo de jazz CHRISTIAN McBRIDE regresa con Su Quinteto INSIDE STRAIGHT para una nueva grabación llamada "Live at the Village Vanguard".

Este es el tercer álbum de INSIDE STRAIGHT pero es solo su primer disco en vivo, a pesar de que la banda se formó originalmente solo para un escenario en vivo.

"Live at the Village Vanguard"presenta las sesiones en vivo en el estimado club de jazz de Nueva York, Village Vanguard,  en Diciembre de 2014.

CHRISTIAN McBRIDE formó INSIDE STRAIGHT por primera vez en 2007 cuando reclutó al baterista Carl Allen, al saxofonista Steve Wilson, al pianista Eric Reed (luego reemplazado por Peter Martin) y al vibrafonista Warren Wolf. Se suponía que solo tocarían durante una semana en el Village Vanguard, pero su residencia fue tan exitosa que el ejecutivo de A&R Bruce Lundvall firmó a McBride con un contrato discográfico con Mack Avenue Records

Dos años más tarde, McBride lanzó el Album "Kind of Brown" con INSIDE STRAIGHT...Fue su primer álbum de material nuevo en seis años y el primer lanzamiento en una larga relación con Mack Avenue Records. El quinteto siguió con su segundo álbum de estudio "People Music" en el 2013.

CHRISTIAN McBRIDE lanzó dos discos el año pasado, incluido "The Movement Revisited", que se dedicó a la historia de los negros y a los íconos del movimiento por los derechos civiles. Este año, ganó su séptimo premio Grammy por "Trilogy 2" con Chick Corea y Brian Blade.

Excepto 2020, INSIDE STRAIGHT ha tocado en el Village Vanguard todos los años desde 2009. Con este nuevo álbum en vivo, los fanáticos pueden experimentar la actuación del quinteto una y otra vez. También es apropiado que noviembre marque el 64 aniversario de la primera grabación en vivo de Village Vanguard de Sonny Rollins, quien también ha colaborado con McBride.

El Album "Live at the Village Vanguard" será editado oficialmente el 26 de noviembre del 2021 a través de Mack Avenue Records.

Los Esperamos, cafecito de por medio, para escuchar y disfrutar de esta Nueva Premiere Exclusiva presentando el Nuevo Album del contrabajista CHRISTIAN McBRIDE con Su Quinteto INSIDE STRAIGHT - "Live At The Village Vanguard".

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domingo, 10 de octubre de 2021

BILLY CHILDS - "ACCEPTANCE" (2021)


El pianista BILLY CHILDS vuelve a las grabaciones discográficas con "Acceptance" tras tres de años de silencio, ya que su último trabajo, ‘Rebirth’, data del año 2017, este Nuevo Album fue editado por el sello Mack Avenue Records en Septiembre 2021.

BILLY CHILDS es un músico que se mueve tanto dentro de la órbita del jazz como en el de la música contemporánea y este ‘Acceptance’ es una buena muestra de ello, pues lo que presente es una suerte de jazz de cámara.

Los nueve temas que componen este disco vienen a ser un recorrido emocional por la carrera del pianista, ya que a las nuevas composiciones que presenta se unen también temas compuestos hace ya años, y todo ello sin olvidar un recuerdo el ‘Great American Songbook’, a través del ‘It never entered my mind’ de Hart/Rodgers.

El primero es ‘Dori’, composición que abre el disco y que está dedicado al gran compositor brasileño Dori Caymmi.

La segunda es ‘Twilight Is Upon Us’, una composición que acaba rindiendo homenaje al enorme compositor y teclista Lyle Mays, quien durante muchos años fue co-líder del Pat Metheny Group, y que falleció en febrero de este año 2020. Para redondear el círculo la cantante Aubrey Johnson, sobrina de Lyle Mays.

Entre las piezas de este intimista disco, que va desde los sonidos brasileños a la música de improvisación (‘Oceana’), hay destacar dos canciones más, una es ‘Leimert Park’, compuesta en 1997 junto con el bajista Paul Jackson y el baterista Mike Clark (la sección rítmica de Herbie Hancock & Headhunters),; y la otra es ‘Do you know my name’ donde la cantante Alicia Olatuja pone voz a los versos escritos por el propio Chids y que versan sobre la trata seres humanos, especialmente niños.

Junto con Billy Childs están los músicos que ya le acompañaron en su anterior disco como son el saxofonista Steve Wilson, el contrabajista Hans Glawischnig y el baterista Eric Harland, pero también se le han unido para esta aventura, además de los dos cantates mencionades anteriormente, la flautista y vocalista Elena Pinderhughes, el congista Munyungo Jackson y el percusionista Rogerio Boccato y la corista Sara Gazarek.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar el Nuevo Album del pianista américano de jazz BILLY CHILDS - "Acceptance".

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sábado, 9 de octubre de 2021

THE OSCAR PETERSON QUARTET - "A TIME FOR LOVE" (LIVE IN HELSINSKI 1987)


Durante casi 80 años, el legado ha sido la médula espinal de la gloriosa tradición del jazz, pero quizás nunca más para sus fanáticos que durante estos desafiantes días de la pandemia. Al no poder escuchar música en persona, todos solo hemos podido acceder a música nueva a través de la tecnología, lo que ha hecho que muchos recuerden lo que se pudo haber perdido. Pero cuando uno puede mirar hacia atrás en algo que es al mismo tiempo completamente nuevo, esa es una situación muy especial. Y cuando ese algo nuevo viene de todo un Gran Maestro del jazz, como lo es el pianista canadiense  OSCAR PETERSON, aún más.  El Album de colección "A Time for Love: The Oscar Peterson Quartet - Live in Helsinki, 1987", fue editado en Septiembre del 2021 por el sello internacional Two Lions / Mack Avenue Records.

"A Time For Love" presenta por vrez primera el último concierto de una larga gira internacional que comenzó con 4 conciertos en Brasil, esta fecha fue la 14 de una gira europea que llevó al Cuarteto de OSCAR PETERSON por toda Europa continental y Escandinavia. Cualquiera con algún conocimiento de jazz sabe que la magia de una interpretación constante solo hace que la sinergia y la empatía de un conjunto, ambas sustancias que este Cuarteto tiene en cantidad alucinante, sea cada vez mejor. Eso siempre empequeñece el factor de fatiga y, a veces, resulta en pura magia en un plano diferente. Eso es claramente lo que sucedió durante este espectacular concierto. Como dice Kelly Peterson: “Actuando con alegría y vivacidad, decidieron hacer que cada concierto fuera mejor que el anterior. Esta noche en Helsinki es un glorioso ejemplo de eso ”, y una sorprendente adición al legado continuo de este amado maestro de la música.

Con un notable Cuarteto conformado por Joe Pass a la guitarra, Dave Young en contrabajo y Martin Drew en bateria, todos los cuales en el momento de esta grabación estaban a la mitad de sus treinta años de afiliación con Peterson, la audiencia de Helsinki, tremendamente entusiasta, fue atendida. a una interpretación maravillosa que abarca un lirismo maravillosamente conmovedor hasta una intensidad vertiginosa y cada trazo intermedio con un arte impecable y un sentido exuberante de creatividad aventurera. La actuación en vivo, presentada en su totalidad sin editar, ofrece la experiencia real de estar allí. Agradece a los oyentes con la amplitud de la majestuosidad de Peterson tal como se presenta en la inmediatez del concierto en vivo.

El primer conjunto consta exclusivamente de las propias composiciones de Peterson, un enfoque importante en los esfuerzos de Kelly por mejorar aún más su legado inmortal. El alcance de su visión excepcional como compositor se muestra intrigante a través de estas cinco piezas, que se abren con el pavoneo del acertadamente titulado "Cool Walk". Un par de chamus"Sushi" y "Cakewalk". Al definir el jazz como "composición instantánea", ocasionalmente componía una canción durante una actuación.:“Love Ballade” es una de esas piezas, escrita espontáneamente durante un concierto anterior. Una fascinante apertura extendida de piano solo de belleza filigrana y un excelente solo de guitarra joven resaltan esta oferta cautivadora.

Una fascinación de toda la vida por Johann Sebastian Bach inspiró el asombroso "A Salute to Bach" de Peterson de 20 minutos. Esta encantadora excursión de tres partes mantiene la integridad del jazz en su homenaje, lo que le permite profundizar en su formación clásica temprana.

El segundo conjunto presenta la fascinante exploración de Peterson de clásicos consagrados del jazz y del cancionero, incluidas dos virtuosas interpretaciones en solitario: la exquisita interpretación de Pass de la icónica melodía de Disney "When You Wish Upon a Star" y la encantadora versión de Peterson de "A Waltz" de Bill Evans. para Debby ".

También se incluyen la encantadora balada de Johnny Mandel "A Time for Love", el swing profundamente ranurado de "Soft Winds" de Benny Goodman y "How High the Moon", un punto de partida en muchos de los legendarios Conciertos de All Stars del Jazz conocidos como  Jazz At The Phillarmonic, durante la década del ´50.

El clímax monumental, antes del explosivo bis de "Blues Etude" de Peterson, es el "Duke Ellington Medley" con seis clásicos de Ellingtonia: "Tome el tren 'A'", "No te muevas mucho más", "Ven el domingo, "C-Jam Blues", "Lush Life" y "Caravan". Un piano solo y un tributo conjunto a la trascendencia de lo que Duke representa para el legado que combina elementos de swing, blues, barrelhouse, stride, boogie-woogie y cualquier otro color en la paleta infinitamente creativa de Duke y Peterson. Esta increíble aventura es el símbolo perfecto para todo este álbum, tocando la esencia última de la expresión del jazz, lo que le permite a Peterson rendir homenaje a sus propios padres: Art Tatum, Teddy Wilson, James P. Johnson y Nat Cole, entretejiéndolos en una vorágine de brillantez que es todo Oscar Peterson. La definición perfecta del legado vivo y en constante expansión de esta profunda forma de arte.

Para aquellos que no son totalmente conscientes de la importancia de Peterson dentro del legado del jazz, por más inimaginable que sea, el pianista canadiense de herencia antillana se mantuvo en la corte como un maestro supremo durante casi 60 años. OSCAR PETERSON, que recibió numerosos honores y premios (incluidos ocho premios GRAMMY) y fue tema de varios documentales, fue la encarnación de la historia del piano de jazz combinada con un excelente dominio del conocimiento clásico occidental, todo lo cual contribuyó a que Ellington otorgara a él el título "el Maharajá del teclado". Con más de 200 álbumes propios, la asombrosa habilidad de Peterson para moderar su propia magnificencia como líder y solista para poder brindar un acompañamiento totalmente empático y sutil a otros músicos y vocalistas, explicado de manera simple y elocuente por Dave Young mientras "escuchaba" - lo convirtió en colaborador de cientos de otras grabaciones destacadas, sobre todo como el virtual "pianista de la casa" de Verve y Pablo Records, su veterano manager Norman Granz. Peterson, profesional desde los 14 años, falleció a los 82 años en 2007, dejando un legado incomparable que es tan atemporal como el propio jazz.

"A Time for Love" está disponible tanto en formato de doble CD como en vinilo de 180 gramos en un set de 3 LP. Ambas versiones están bellamente empaquetadas e incluyen dos juegos de notas del forro de vista interior del protegido de Peterson, el pianista Benny Green y la esposa de Oscar y productora de este álbum, Kelly Peterson. Esta es la segunda colaboración de Mack Avenue Music Group con la finca, luego del relanzamiento del Album "Oscar In Love" en el 2017.

La grabación está idealmente resumida por Green en sus notas del transatlántico:
"Esta grabación de concierto "en vivo" de Oscar en su mejor momento épico es una cápsula del tiempo de belleza enviada por el cielo y sirve una gloriosa adición al panteón del jazz en sí, un impresionante testimonio de la música a la que dedicó honesta, humilde y sin miedo su vida como un guerrero pacífico, un héroe para todos nosotros desde hace siglos. Estoy agradecido por el regalo de este concierto y porque la música espiritual de Oscar nos tocará hoy y mañana, ya que la necesitamos más que nunca".

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de la Presenatción exclusiva del Album Doble "A Time For Love" del gran pianista de jazz OSCAR PETERSON con Su Cuarteto.





viernes, 8 de octubre de 2021

PASQUALE GRASSO - "PASQUALE PLAYS DUKE" (2021)


"Pasquale Plays Duke", es el Nuevo Album del jovén guitarrista italiano PASQUALE GRASSO, editado a mediados de Septiembre del 2021 por el sello internacional Sony MasterWorks. Este es el segundo de una trilogía de tres partes que sigue al lanzamiento digital de "Solo Ballads" a principios de 2021. Para este álbum en particular, presenta a su trío de trabajo formado por el bajista Ari Roland y el baterista Keith Balla, y se le unen las vocalistas invitadas especiales Samara Joy y Sheila Jordan. El guitarrista PASQUALE GRASSO reinventa cinco clásicos de Duke Ellington en guitarra sola, junto con varias pistas colaborativas, interpretando algunas de las obras maestras más preciadas de Ellington, incluido el lanzamiento de hoy "It Don't Mean a Thing", "Soph Sofia Lady", "Prelude to a Kiss ”,“ In a Sentimental Mood ”y“ Cotton Tail ”, con Joy y Jordan haciendo apariciones en“ Solitude ”y“ Mood Indigo ”, respectivamente.

Mucho antes de ganarse el respaldo de todos, desde la revista New Yorker hasta el destacado guitarrista Pat Metheny y grabar una serie de EPs solistas y álbumes para Sony Music Masterworks, PASQUALE GRASSO creció en la pintoresca y tranquila ciudad italiana de Ariano Irpino. A los seis años, Pasquale desarrolló un vínculo con su guitarra que encendió un viaje increíble desde la campiña italiana a la fama internacional.

Después de asistir al Conservatorio de Bolonia, la Embajada de los Estados Unidos reclutó a Grasso como su Embajador del Jazz. Se incrustó en la comunidad de jazz de la ciudad de Nueva York a través de un concierto de pie con el difunto saxofonista Charles Davis. Entre muchas actuaciones destacadas, ganó el Concurso Internacional de Guitarra de Jazz Wes Montgomery 2015 y compartió escenario con el trío de órgano de Pat Martino. En 2018, apareció en el concierto NEA Jazz Masters Tribute Concert en el Kennedy Center en Washington, DC, entregando un homenaje espectacular en honor a Pat Metheny, quien lo bautizó como `` El mejor guitarrista que he escuchado tal vez en toda mi vida ''.

Al firmar con Sony Music Masterworks, Grasso inició su serie de EP / álbumes en solitario en 2019 con Solo Standards, Vol. 1, Baladas en solitario, vol. 1, Solo Monk y Solo Holiday. Su impulso continuó en 2020 con otra serie de lanzamientos en solitario Solo Bird, Solo Masterpieces, Solo Standards y Solo Bud Powell, ganándose los elogios de la revista New Yorker, "Pasquale Grasso puede tocar la guitarra como tocar una campana".

Grasso muestra su técnica al principio del álbum, con la introducción de "It Don’t Mean a Thing"... el tono sedoso y antiguo de la guitarra hace que suene como un LP de Johnny Smith o Tal Farlow de la década de 1950. “Siempre me ha gustado el sonido de la guitarra de los años 40 y 50 y me encanta el sonido de la guitarra clásica”, dice Grasso.

El sonido clásico de jazz de Art Tatum, una inspiración de Grasso, permanece presente durante todo el álbum. Su influencia es evidente en las pasadas de transición que juegan un papel importante en muchas de las composiciones de Grasso, y las escalas de tonos completos pueden llevarnos de un acorde al siguiente a lo largo del álbum. Temas como "Prelude to a Kiss", "Cotton Tail", "In a Sentimental Mood" (que se lanzó el mes pasado) y "Day Dream", llevan al oyente arriba y abajo en una ráfaga de intensas y elegantes escalas.

Las voces destacadas de Samara Joy y Sheila Jordan agregan aún más textura al sonido ya clásico. Joy tiene solo 21 años y se graduó este mayo de SUNY Purchase, treinta y cinco millas al norte de su Brooklyn natal. Inmediatamente, la fuerza natural y la riqueza de su voz captan la atención de los oyentes. Su característica en la pista "Solitude" es otra garantía de estas afirmaciones. Un sonido potente pero suave se mezcla con las hermosas escalas de Grasso, produciendo un sonido que recuerda a una actuación en vivo de la gran Ella Fitzgerald.

Sheila Jordan aparece en "Mood Indigo". Su experiencia de décadas en la escena del jazz brilla en su voz a lo largo de la pista. Desde su primer lanzamiento en la década de 1960, Jordan es conocida como una de las cantantes de jazz vivientes más creativas. Es una de las pocas vocalistas que puede improvisar letras, que a menudo riman, es una excelente cantante de scat y también es una intérprete emocional de baladas. Durante la pista, los recorridos de la guitarra de Grasso se combinan con el impresionante scatting de Jordan en toda la función. Crea una batalla de ida y vuelta antes de volver a caer en un verso final de voces suaves sobre sentirse triste, de ahí el título "Mood Indigo".

Los Esperamos, cafecito de por medo, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar del Nuevo Album del joven guitarrista italiano PASQUALE GRASSO - "PASQUALE PLAYS DUKE".




domingo, 3 de octubre de 2021

LENA BLOCH AND FEATHERY - "ROSE OF LIFTA" (2021)



"La idea de este proyecto", confesaba la saxofonista europea LENA BLOCH, "me vino a la mente cuando estaba leyendo el poema de Iman Annab "Climbing Rose Of Lifta", sobre el dolor de la separación de la patria, el intenso anhelo y la fuerte esperanza de volver. Profundamente conmovido por este poema, escribí una pieza "Rose Of Lifta" y luego varias otras composiciones, dedicadas a quienes tuvieron que dejar sus hogares y seres queridos, convirtiéndose en refugiados y expatriados. Mis compañeros de ensamble me entendieron emocional y musicalmente, y agregamos varias piezas más escritas por Russ Lossing. Este es un álbum de una serie de composiciones, diferentes en humor y color, pero unificadas por una narrativa continua de añoranza por el hogar. Nuestro enfoque, las formas de interpretar las composiciones se desarrollaron orgánicamente durante nuestras actuaciones, y después de un año de trabajar en el material, ¡ahora estamos listos para grabarlo y simplemente no podemos esperar! Nuestra grabación se hará nuevamente en una habitación, sin audífonos ni cabinas. El ingeniero de sonido que ha estado trabajando con nosotros es Paul Wickliffe (Skyline Productions), cuyo trabajo Dan Morgenstern describe de la siguiente manera: "Hay un quinto miembro de este grupo , Paul Wickliffe, quien grabó, mezcló y masterizó la música, y el término "masterizado" rara vez ha sido más apropiado. El sonido especial de este grupo ha sido capturado perfectamente, cada voz clara como el cristal, pero refleja la esencia colectiva de la música ". Estamos muy emocionados de volver a trabajar con Paul, es un mago que puede crear la experiencia auditiva más íntima"
.

Contaba la propia LENA BLOCH: "Crecí en Rusia, emigré a Israel en 1990 y luego me mudé a Europa, donde me convertí en parte de la escena europea del jazz, finalmente vine a los Estados Unidos, obtuve una Maestría en Composición y me mudé a Brooklyn, NY en 2008. Yo He tocado y grabado con Steve Reid, Keith Copeland, John Marshall, Alvin Queen (Europa), Mala Waldron, Sumi Tonooka, Roberta Piket, Vishnu Wood, Connie Crothers, Cameron Brown, Billy Mintz, Russ Lossing, Marvin Smith (EE. UU.) y muchos otros, se presentaron en varios festivales de jazz en Alemania, Eslovenia, Rusia, Estados Unidos. Como líder, lancé mi álbum debut estadounidense "Feathery" en 2014 (Thirteenth Note Records). El álbum fue mejor calificado en Downbeat Magazine, Pop Culture Classics, Jazz Inside Magazine, New York City Jazz Record, France Musique, Canadian Audiophile, Music Charts Magazine, y fue votado como el mejor lanzamiento de 2014 por Dan Morgenstern, así como también uno de los 50 mejores álbumes de jazz de 2014 (JazzLinks, Austria-Alemania).

Los músicos que acompañan a la saxofonista LENA BLOCH son:
Russ Lossing en piano, Cameron Brown en contrabajo y Billy Mintz en bateria.

Basado en la improvisación libre, nuestro enfoque musical consiste en difuminar las líneas entre la composición y la invención espontánea, entre lo escrito y lo improvisado, dando como resultado una continuidad narrativa, con un sentido de confianza mutua y libertad.

El nombre del conjunto se refiere a la ligereza, la flexibilidad, la disposición a ir a la deriva en nuevas direcciones, como una pluma en el viento.

En 2017, Feathery lanzó su álbum "Heart Knows" en Fresh Sound Records. El cuarteto fue seleccionado para presentarse en la presentación de la Conferencia Nacional de Música de Cámara (Nueva York, enero de 2018), recibió críticas entusiastas en All About Jazz, NYC Jazz Record, Down Beat, Chamber Music Magazine e internacionalmente: Canadá, Grecia, Francia, Suiza. , Italia, Reino Unido, Bélgica, Alemania, entre los 50 mejores (Jazz Links, Alemania-Suiza) y los 100 mejores (NPR Jazz Critics Poll y Décima Encuesta Anual de Críticos Internacionales) lanzamientos de jazz 2018. El Cuarteto Feathery esta basado en la improvisación libre, el enfoque musical consiste en difuminar las líneas entre la composición y la invención espontánea, entre lo escrito y lo improvisado, dando como resultado una continuidad narrativa, con un sentido de confianza mutua y libertad.
El nombre del conjunto se refiere a la ligereza, la flexibilidad, la disposición a ir a la deriva en nuevas direcciones, como una pluma en el viento.

“Es una rara y muy agradable sorpresa encontrar música nueva y diferente y encontrarla agradable al instante. “Colectivo” es la palabra clave aquí, para este oyente, porque esto es verdaderamente unión musical, creando un sonido propio ”. - Dan Morgenstern, notas del transatlántico, "Heart Knows" de Lena Bloch & Feathery

"Un maravilloso ejemplo del tipo de empatía que subyace a la mayoría de los grandes jazz". - Glyn Pursglove, Music Web International (Reino Unido)

“A pesar de su complejidad y sus intrincadas capas, la música es ligera como una pluma en la percepción. Deja una impresión tan profunda que rápidamente se siente la tentación de volver a escucharla ". - Bernard Lefevre, Jazz Halo (Bélgica)

           “Lena Bloch es excelente en todo momento. Su enfoque del saxofón tenor está completamente en línea con su estilo melódico de composición. Todas son composiciones extraordinariamente elaboradas, que definen un estado de ánimo en el espacio de un compás o dos, y toman muy poco tiempo para infiltrarse por completo en la mente del oyente antes de dejarlo ir. En el mejor de los casos, estas piezas son tan conmovedoras como, por ejemplo, algunas de las miniaturas de la música clásica. En todas partes los músicos de Feathery tocan con una gracia sublime ". - Raul DaGama, JazzDaGama (Canadá)

"Lo sorprendente de cada actuación aquí es la delicada mezcla de música compuesta e invención espontánea" –Donald Elfman, New York City Jazz Record

"Una inquietante belleza lírica brota del saxofón tenor de Lena Bloch y en su último álbum se une a un trío de veteranos profundamente empáticos: el contrabajista Cameron Brown, el baterista Billy Mintz y el pianista Russ Lossing, para crear un sonido unificado de poderosa música. arte." - Chris Searle, Morning Star (Reino Unido)

"¡Un aire de belleza nostálgica!" - Giovanni Russonello,
 New York Times

"Inquebrantablemente cohesivo ... magnificencia hasta los huesos ... complejos, convincentes y hermosos, sonidos de la más alta calidad e inspiración establecidos por un cuarteto de jazz de primer nivel". - Dan McClenaghan, Todo sobre el jazz

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar la presentación exclusiva de el Nuevo Album de la saxofonista LENA BLOCH con Su Cuarteto FEATHERY - "Rose Of Lifta".