martes, 31 de agosto de 2021

FALKNER EVANS - "INVISIBLE WORDS" (2021)


El pianista / compositor américano de jazz FALKNER EVANS confesaba sobre Su Nuevo Album-"Invisible Words": "un disco que nunca planeé hacer" (los planes de Evans se volcaron trágicamente en mayo 19 de febrero de 2020, cuando su esposa Linda se quitó la vida)

El Album se fue presentado a mediados de Agosto 2021 por Consolidated Artists Productions (CAP), "Invisible Words", la composición de la música del álbum se convirtió en el medio por el cual Evans regresó al piano después de tres meses y medio sin poder siquiera acercarme al teclado. El resultado, explica, no pretende ser un homenaje a una "instantánea" de su amada esposa a través de su propia lente. “Estaba tratando de capturar el espíritu de quien era Linda”, dice Evans. “Tenía un espíritu muy infantil y una verdadera curiosidad por la vida. Y ella era increíblemente inteligente. Estuvimos juntos casi 30 años y la conocí mejor que nadie. Así que esto ha sido una especie de catarsis para mí y algo de lo que estoy realmente orgulloso de poder hacer ".

Su mas reciente lanzamiento fue el Album "Marbles" del 2020, contó con una banda estelar de siete integrantes que incluía a los saxofonistas Michael Blake y Ted Nash, el vibrafonista Steve Nelson y sus colaboradores frecuentes Ron Horton (trompeta), Belden Bullock (bajo) y Matt Wilson (batería). Su intención era volver a convocar a esa banda para una grabación de seguimiento. Todo eso cambió como
La vida de Evans lo hizo ese día de mayo, y en lo que habría sido el cumpleaños de Linda en enero, intervino

El Album "Invisible Words" fue grabado en Samurai Studio en Queens,  con el ingeniero Michael Marciano, ganador de un Grammy.

Falkner es ... un pianista de jazz de tono cálido que respeta tanto la armonía como la melodía con un sonido que a veces recuerda al gran Bill Evans, pero su estilo es claramente personal ". - George W. Carroll, eJazzNews

"[Evans] te hace escuchar con atención para descubrir las complejidades que configura debajo de su música superficie atractiva pero tenue ". —Thomas Conrad, JazzTimes

El pianista FALKNER EVANS es originario de Tulsa, Oklahoma, pianista de jazz con sede en Nueva York con un musical ecléctico. antecedentes. Evans, primo tercero del icónico autor William Faulkner, creció con el rock clásico y el R&B de los sesenta. antes de engancharse al jazz en la escuela secundaria, luego obtuvo su primera experiencia profesional tocando con la famosa banda de swing occidental Asleep At The Wheel durante cuatro años. Se mudó a la ciudad de Nueva York en 1985 y rápidamente se involucró en la ajetreada escena, reclutando a Cecil McBee y Matt Wilson para su debut como líder. Siguieron dos fechas más del trío antes de que Evans ampliara sus horizontes en 2011 para la salida del quinteto. The Point of the Moon y aún más para el magistral septeto del Album Marbles en el 2020.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar y disfrutar el Nuevo Album de solo piano - "Invisible Words" del pianista FALKNER EVANS.







sábado, 28 de agosto de 2021

ENRIQUE VILLEGAS - "ENTRE AMIGOS" (2021)

El sello nacional RP music lanzó en todas las plataformas digitales un registro íntimo e inédito del pianista ENRIQUE VILLEGAS, grabado en una reunión en la Buenos Aires de principios de los 70.

Enrique “Mono” Villegas fue un artista que disfrutaba plenamente de su arte y un personaje sumamente histriónico. Sus conciertos eran una mezcla imprevisible de música y declaraciones. 

Así como improvisaba al piano lo hacía en sus monólogos, que podían incluir desde descripciones cuasi-académicas de alguna obra hasta los más ácidos comentarios sobre la actualidad, pasando por anécdotas personales y otros tantos asuntos.

Debido a esta particular combinación, sus performances congregaban a un gran número de asistentes.
Pero Villegas fue, además, un gran animador de las reuniones entre artistas (de músicos y de otras artes) que se desarrollaron durante la década del 60 y la primera parte de los 70 en distintas casas y departamentos de la ciudad de Buenos Aires.

En este escenario se enmarca el presente registro, una grabación no profesional de uno de aquellos encuentros en los primeros años 70. ENRIQUE VILLEGAS toca el piano e improvisa para su audiencia de amigos una serie de standards - y no tanto - del jazz como "The man I love", "Stormy Weather", "Don’t blame me", "Lullaby of the Leaves" y "Nobody knows the trouble I've seen", a los que se suman un par de improvisaciones puras: un "Blues en Do y un divertimento en el que termina a las carcajadas.

Para completar esta edición, se agregan tres temas compartidos con el saxofonista Jorge “Bebe” Eguía grabados en circunstancias similares en 1955: "It's The Talk Of The Town", "Liza" y "Blue Orchids".

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar del Album de colección del Gran pianista argentino de jazz ENRIQUE VILLEGAS - "Entre Amigos".



TERENCE BLANCHARD - "ABSENCE" (2021)


TERENCE BLANCHARD se erige como uno de los trompetistas más estimados del jazz y desafía las expectativas al crear un espectro de actividades artísticas. Guionista y arreglista de bandas sonoras de películas nominado dos veces al Oscar. El primer afroamericano en tener una ópera en el Met. Además, Blanchard enseña como la Cátedra Kenny Burrell en Estudios de Jazz en la Escuela de Música Herb Alpert de UCLA. Pero hay un centro de gravedad. Son las hermosas, provocativas e inspiradoras grabaciones de jazz de Blanchard las que sustentan todos estos proyectos. Lo mismo es cierto ahora que al principio de su carrera en 1994 cuando le dijo a DownBeat: "Escribir para películas es divertido, pero nada puede ser mejor que ser un músico de jazz, tocar en un club, tocar en un concierto".

En su trigésimo año como líder de grabación, el seis veces ganador del GRAMMY ofrece Su Nuevo Album "Absence", una obra maestra de entusiasmo sónico en colaboración con su antigua banda E-Collective y el aclamado Turtle Island Quartet, dirigido por el violinista / director artístico David Balakrishnan y con Gabe. Terracciano al violín, Benjamin von Gutzeit a la viola y Malcom Parson al violonchelo, un cambio de juego desde su fundación en 1985 como un grupo que toca música híbrida. Puede parecer una pareja irregular, pero Blanchard descubrió que el cuarteto encajaba perfectamente. "Obviamente he trabajado con cuerdas en mi carrera", dice. “Pero Turtle Island ha reinventado el lenguaje para el cuarteto de cuerdas. Es extremadamente único y lo que hacen es brillante. Tocar juntos es como un conjunto de jazz de cámara ".

Grabado en febrero de 2020 en el Mo Austin Recording Studio en UCLA justo antes de los cierres de Covid-19, Absence comenzó como un proyecto para mostrar gratitud a Wayne Shorter. "Sabía que Wayne no se sentía bien en ese momento, así que quería honrarlo para hacerle saber lo mucho que ha significado para mí", dice Blanchard, quien hoy vive en Los Ángeles, así como en su natal Nueva Orleans. “Cuando miras mi propia escritura, puedes ver cuánto he aprendido de Wayne. Dominó la escritura de composiciones comenzando con una melodía simple y luego yuxtaponiéndola con las armonías que provienen de un lugar diferente para que cobren vida bajo una luz diferente. Eso es lo que hace que sea hermoso. Este álbum trata de la composición, no solo de sus obras, sino de escribir nuestra propia música para ver cuánto nos ha influido ".

Como en pasadas grabaciones de E-Collective, Blanchard da rienda suelta a su conjunto con inflexión de sintetizadores — el pianista Fabian Almazan, el guitarrista Charles Altura, el bajista David Ginyard y el baterista Oscar Seaton — para que se estire como banda. “Les doy el espacio para explorar como organizadores”, dice el líder. “Es importante para la banda en sí, así como para mi propio crecimiento, desarrollar nuevas formas de tocar la música de otras personas. Los chicos hacen cosas que nunca hubiera pensado. Intentamos crear algo único. Con Wayne, tenemos la oportunidad de aprender su música y absorberla realmente. Entonces damos nuestras propias impresiones ”.

Ginyard ofrece dos gemas, incluida la melodía del título del álbum. "Absence" se abre con el suave piano de Almazan y luego cambia de forma con el poder de E-Collective y el estilo Turtle String. "Cuando DJ se unió a la banda hace tres o cuatro años, quería hablarme sobre composición", dice Blanchard. “Cuando estábamos en Europa, teníamos un viaje de dos horas hasta nuestro próximo espectáculo. Hablamos y escribió en su cuaderno. Le mostré la técnica que enseño en mis clases. Inmediatamente después de nuestra conversación, escribió 'Ausencia'. Pude ver que tenía talento para escribir melodías que mucha gente no tiene ". Originalmente, la melodía estaba programada para estar en el último álbum de E-Collective, Live, pero no logró el corte debido a limitaciones de tiempo. Blanchard le aseguró que lo grabarían. "Dije que confía en mí", dice. "Y mira, se ha convertido en el título del álbum. Fue una oportunidad para que DJ escribiera arreglos para un cuarteto de cuerdas. Todos nos divertimos jugando. Fue una gran experiencia.".

TERENCE BLANCHARD había estado conversando con Turtle Island, que originalmente había discutido planes para que él organizara una pieza para el cuarteto de cuerdas, pero esas conversaciones cambiaron de dirección. Dos semanas después estaban todos en el estudio. “Lo que lo hizo todo tan hermoso fue que era para Wayne”, dice Blanchard. “Es un tipo divertido, tonto y brillante. Nos ha inspirado a todos. Cuando lo piensas, a Wayne se le ocurrió a John Coltrane, Sonny Rollins, Sonny Stitt, Johnny Griffin, Cannonball Adderley. Pasó a través de todos esos tipos, pero encontró su propia voz, su forma de expresión. Hay que darle crédito, no solo por su cuerno sino también por el lápiz. Eso es lo que lo convierte en un gran artista de jazz ".


Los invitamos a disfrutar de la versión del Tema "Absense".


Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz, para escuchar la presentación exclusiva del nuevo Album para Blue Note del trompetista américano TERENCE BLANCHARD - "Absence".


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JAVIER MADRAZO - "INTERIOR" (2021)


"Interior" es el primer disco del joven compositor y guitarrista JAVIER MADRAZO,
Su repertorio reúne siete canciones, cinco de las cuales son composiciones originales de Madrazo y las otras dos, son standards de jazz con arreglos originales del artista. 
 
En este disco debut, el compositor se luce por su capacidad y creatividad para generar distintas sensaciones a través de las armonías y por una búsqueda artística de estéticas y relatos musicales.
 
Las composiciones y los arreglos están inspirados en paisajes y múltiples sensaciones que fluyen desde la tranquilidad de estar en una montaña hasta el caos de habitar la ciudad y muchas experiencias viajeras más. 
 
Su universo sonoro despliega distintas estéticas musicales destacadas ante todo por sus aires jazzísticos. Esta multiplicidad de líneas sonoras hace que la escucha sea una experiencia única que transita atmósferas introspectivas, románticas, imponentes y dinámicas que se concentran ante todo en una voz expresiva, nueva, fresca y autoral.
 
La formación con la que se presenta Javier es la de un cuarteto clásico de jazz con guitarra, piano, contrabajo y batería. 
 
Esta obra discográfica ofrece un abordaje renovado con arreglos, armonías y elecciones estéticas sofisticadas que imprimen el sello autoral de Javier Madrazo como compositor, arreglador e improvisador.

En palabras personales de JAVIER MADRAZO:
“Este disco para mi significa muchas cosas. Por un lado, es mi álbum debut, es la primera vez que aporto mi perspectiva musical, generando una obra completa. Siento como propio este disco porque realmente logré plasmar mi mirada y la estética que quería lograr. Esta visión es de frescura, honestidad y variedad. Por otro lado, es un honor que estos músicos que tanto admiro de la escena local, hayan participado dando lo mejor de su arte en este proyecto. Estoy muy conmovido y agradecido, por el modo de involucrarse de Ernesto Jodos, Jerónimo Carmona y Fernando Moreno. La verdad es que los sentimientos que me genera este disco son de felicidad, paz y por sobre todo ¡de ganas de grabar el siguiente!”
 
“El título, Interior, lo elegí porque quise que este álbum sea algo personal que muestre mi manera de ver el mundo y que invite a los demás a apreciar el universo a través de mi mirada. Por eso también abordé un repertorio variado, ya que mi experiencia personal y la experiencia humana en general también son diversas y están en constante movimiento por la naturaleza misma de la vida. A su vez, en esta experiencia que vivimos todos creo que hay algo constante y eso es el Ser, que es testigo de este abanico de vivencias propias y comunes a todos.  Pienso que al profundizar mi entendimiento sobre mí mismo logro ver y hablar un lenguaje universal que apela a toda humanidad e interpela a quien escuche mi música”. 

JAVIER MADRAZO (Buenos Aires, 1996), es compositor, guitarrista y arreglador. Realizó sus estudios formales en la tecnicatura en jazz del Conservatorio Manuel de Falla (2015-2018). Gran parte de su formación estuvo por fuera de esta institución: tomó clases con músicos de la escena local del jazz bonaerense como Pepi Taveira, Mariano Loiacono, Juan Cruz de Urquiza entre otros. En sus dos viajes a Nueva York se formó con músicos de la escena neoyorquina: Carl Allen, Mike Moreno, Paul Bollenback, Antonio Hart, Pasquale Grasso, Cyrus Chesnut, Yotam Silberstein y Barry Harris. 

Inició su trayectoria tocando standards de jazz en bares de Buenos Aires con diferentes formatos y músicos oficiando de líder y de acompañante. Participó en los grupos de Mariano Loiácono, Julia Moscardini, Sebastián Loiacono, Julieta Iricibar, Malena Rampi entre otros. 

Vale mencionar su participación en los ensambles de Devin Hoff, Michael Formanek y Tim Berne organizados por el Conservatorio Manuel de Falla los cuales concluyeron en tres conciertos en el CCK. 

Actualmente está presentando su primer disco Interior, que cuenta con un grupo de músicos talentosos y reconocidos de la escena. El conjunto está conformado por Javier Madrazo en guitarra, composición y arreglos, Ernesto Jodos en piano, Jeronimo Carmona en contrabajo y Fernando Moreno en batería. 

Comentaba el destacado músico Mariano Loiácono acerca de Javier Madrazo "Conocí a Javier hace unos años, y durante su etapa como alumno mostró mucho talento y sobre todo energía y entrega para con la música. Todos estos componentes los materializa hoy en “Interior”, su primer disco. La música suena fresca y arriesgada. El grupo tiene experiencia en Ernesto y Jerónimo y proyección en Javier y Fernando. Un disco muy lindo que invita a seguir a este guitarrista con gran proyección.”.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de la Presentación Exclusiva del Nuevo Album del joven guitarrista y compositor JAVIER MADRAZO - "Interior".



jueves, 26 de agosto de 2021

LUCAS GONZALEZ - "ROJO" (2021)


"Rojo" es el debut del multinstrumentista argentino, radicado en Malaga (España) LUCAS GONZALEZ,  un dinámico álbum de jazz / fusión, que explora una variedad de texturas en un estilo evocador, conceptual y narrativo. Grabado entre Octubre y Diciembre en el Reino Unido, España y Argentina.

Esta obra pretende ser una colección de “portales siempre abiertos” en forma de historias. O dicho de manera más pretenciosa: una “serie de situaciones de texturas se-movientes”. Yo preferiría pensar que son simplemente historias. Historias con personajes cuyas conductas e infiltraciones van discurriendo a través del tiempo en espacios más o menos definidos.

LUCAS GONZALEZ es un ecléctico arreglista y multi-instrumentalista profesional. En los últimos 15 años ha estado abordando, a través de su trabajo, una gran variedad de géneros, incluyendo World Fusion, Ethno Jazz, Folklore Latinoamericano, Flamenco, Bandas sonoras, Smooth Jazz, Funk, Pop y Clásico, en España, Alemania, EEUU, Suiza, Argentina, Irlanda y Reino Unido.

Confesaba el propio LUCAS GONZALEZ: "En este nuevo álbum de 2021 es principalmente una compilación de algunas de mis composiciones anteriores, solo reorganizadas, regrabado, reconstruido e incluso redescubierto...Esta vez, naturalmente, el color tenía que ser el adecuado "Rojo", tengo el inmenso honor y orgullo de ser capaz de contar con algunos de los más increíbles y talentosos
músicos que conozco, a los que me gustaría expresar gratitud y aprecio infinitos:
Judith Font al piano, Sergio Menem al violonchelo, Silvina Alvarez a la viola, Aldevis Tibaldi a la flauta / saxo, James Ghigi en trompeta, Facundo Cámpora en voz y Chris Gale a la batería...Tuvé el placer conocer a Peter Melichar, cuya excelencia y experiencia en mezcla y masterización han sido invaluables por la finalización de este álbum. Mención especial a mi viejo amigo Dani Kogan, que grabó la canción de Facundo vocales en Córdoba".

Decía el propio LUCAS GONZALEZ sobre Su Nuevo Album "Rojo": La música de este álbum se percibe próxima a los sonidos de Pat Metheny, Esbjörn Svensson, Lars Danielsson, Egberto Gismonty, entre otros. Los pasajes de guitarra Española añaden proximidad a los colores percibidos en músicas de
guitarristas flamencos tales como Vicente Amigo o Paco de Lucía. Por último, algunos pocos elementos barrocos podrían aparecer ante el oyente como una gota de agua desprendida de un nombre tan magnificente como intocable: J. S.Bach.

Los invitamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz, a escuchar y disfrutar de la Presentación Exclusiva del Nuevo Album del Multinstrumentista LUCAS GONZALEZ - "ROJO".


martes, 24 de agosto de 2021

TRINEICE ROBINSON - "ALL OR NOTHING" (2021)


El Album "All Or Nothing" de la vocalista de jazz TRINEICE ROBINSON, editado a fines de Agosto del 2021 a través de 4RM Music Productions, reúne toda una vida de experiencia e influencias del jazz, R&B, gospel y música clásica con una banda de estrellas con Don Braden, Cyrus Chestnut, Kenny Davis y Vince Ector.

La vocalista TRINEICE ROBINSON lanzó su álbum debut a la edad de 40 años, contando con una carrera como reconocida educadora e investigadora, desarrollando su metodología de enseñanza pionera Soul Ingredients® para remediar la falta de tradiciones musicales negras representadas en el campo de la pedagogía de la voz; y ella ha criado dos niños, los cuales cantan con ella en el Album Debut "All Or Nothing".

“Mi enfoque en la academia terminó reemplazando mi capacidad de nutrirme realmente como artista”, dice Robinson, "Con Soul Ingredients®, enseño conceptos como 'canta tu alma' y 'pon música a tu historia'. Ahora es mi turno de hacer eso".

A lo largo del álbum se le unió un grupo de estrellas.
con el saxofonista Don Braden, quien también contribuyó con muchos de los arreglos; pianista Cyrus Chestnut, el bajista Kenny Davis y el baterista Vince Ector, junto con apariciones especiales del pianista Phil Orr y el guitarrista Joe "Estirar" Vinson,el percusionista Kahlil Kwame Bell y la sección de trompa de Ian Kaufman, John Meko y Nils Mossblad.


Sus hijos, Laura-Simone Martin y Lindsay Martin Jr., quienes aportan dulzura y encanto
al original inspirado en el evangelio de Robinson, "Let It Shine".."Traté de involucrar a las personas que son parte de mi viaje", explica. "Ya sea mi familia o mis colegas,
todas estas son personas que sentí que entendían mi visión y podrían ayudarme a ser mejor siendo yo. 

La música del Album "All Or Nothing", una mezcla de estándares, clásicos del jazz, favoritos del R&B / soul y canciones originales, refleja los diversos gustos e intereses de Robinson. De hecho, era su incansable deseo de explorar más allá de los estrechos confines. de un solo género definido que la llevó por el camino tortuoso hacia Todo o nada. “Una de las razones subconscientes por las que no avancé en mi propio arte fue el reconocimiento de que encajaba tan muchas categorías ”, dice. "La industria te hace elegir: si vas a ser un cantante de jazz tienes que suena de cierta manera; si vas a ser un cantante de gospel o un cantante de R&B o un cantante clásico, tienes que suena de cierta manera. ¿Qué pasa si soy todos esos? Mi misión era encontrar respuestas por mí mismo mientras trataba de
entender quién era yo como intérprete ".

La propia pasión de Robinson por la música comenzó en Oakland, California, de donde provenía de generaciones de clérigos. Aunque comenzó a cantar en la iglesia, se resistió a seguir esos pasos y comenzó la universidad como una ingeniero mayor. Sin embargo, el impulso de cantar no se reprimió por mucho tiempo, y finalmente obtuvo su maestría en estudios de jazz en la Universidad de Indiana-Bloomington, donde estudió con el Dr. David Baker, y su doctorado en educación musical en Teachers College Columbia University.

La sinceridad con la que ataca todos los aspectos de su carrera se refleja en el título de "All Or Nothing"tomado del estándar que abre el álbum. La disposición contundente y abreviada de Braden subraya la fervor de la actitud de Robinson mientras asume este próximo desafío. 

Jazz, gospel, R&B, clásica: Robinson combina ingredientes de toda esta música en un guiso rico y expresivo. eso hace que Todo o nada sea un festín generoso para el oyente. Combina todo eso con su vívida entrega emocional y la forma sin disculpas en que hace que cada letra sea tan profundamente personal hace que este sea un debut impresionante que valga la pena.
esperando.

La Dra. TRINEICE ROBINSON-MARTIN ha dedicado su carrera a la interpretación y desarrollo de recursos para la enseñanza del jazz, estilos de canto gospel / cristiano, R&B, rock, country y pop en un entorno de lección de voz aplicada / privada. Además
hasta el lanzamiento de su álbum debut, "All Or Nothing", mantiene una apretada agenda como cantante en una variedad de estilos mientras ocupaba un puesto de profesor en la Universidad de Princeton como instructor de voz de jazz, conferenciante y director de la
Conjunto Colectivo Vocal de Jazz. Ella sirve en la Facultad Nacional en la división académica de Música Gospel. Workshop of America, se desempeña como Director Ejecutivo del African American Jazz Caucus, Inc., se desempeña como Junta Directiva de Jazz Education Network, forma parte de la Junta Editorial de Journal of Singing y es miembro de la distinguida Academia Estadounidense de Profesores de Canto. Dr. Trineice creó Soul Ingredients®, una metodología de enseñanza para desarrollar el estilo / interpretación musical de un cantante en afroamericano estilos de música basados ​​en el folk (es decir, jazz, gospel, R&B, blues, etc.). Esta metodología muestra a los estudiantes cómo tomar sus experiencias personales, influencias musicales y modelos, y ejecutar los diferentes componentes de una manera que sea personal a la propia expresión personal del cantante / intérprete.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM - Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar la presentación Exclusiva del Album Debut de la talentosa cantante de jazz TRINEICE ROBINSON - "All Or Nothing".









lunes, 23 de agosto de 2021

JORGE LOPEZ RUIZ - "JORGE LOPEZ RUIZ INTERPRETA A JLR (Jorge Lopez Ruiz)"


El prestigioso sello nacioanl RP Music presenta la primera edición en CD de un Album de colección grabado por el contrabajista / compositor y arregaldor argentino de jazz JORGE LOPEZ RUIZ - "Jorge Lopez Ruiz Interpreta a JLR (Jorge Lopez Ruiz)", del año 1966, producido por Alfredo Radoszynski y editado originalmente en vínilo por el sello Trova.

En esta grabación, que ha cumplido 55 años, el contrabajista JORGE LOPEZ RUIZ estuvó acompañado por:
Ruben Barbieri en trompeta, Marito Cosentino en saxo alto, Bubby Lavecchia en piano y Pichi Mazzei en bateria.

"Jorge Lopez Ruiz Interpreta a JLR (Jorge Lopez Ruiz)" fue grabado en los Estudios Phonal de Buenos Aires y fue el segundo album solista de JORGE LOPEZ RUIZ.

El propio JORGE LOPEZ RUIZ, en el Album original en vínilo comentaba:
El Jazz "como forma de vida": "Y no solo una forma sino una norma de vida. El músico que toca Jazz debe vivir jazzísticamente, puesto que es una música vital en la que los ínterpretes transmiten, comunican sus experiencias de todos los días a quienes los escuchan. El músico que toca jazz nos esta contando, de alguna manera, la historia de su vida y nos hace conocer, a través de su discurso, su personalidad...El músico de jazz, cuando se presenta en público, no debe pensar qué le gustaria escuchar a la audiencia. Debe tocar, antes que nada para divertirse. Si lo hace así, al público le va a gustar. Es decir, se establecerá una verdadera comunicación entre músico y oyente. Y esto, y no otra cosa, es lo que importa".

Este Album también esta disponible en todas las plataformas digitales:
Spotify / You Tube / Amazon.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar en Primicia el Album del contrabajista JORGE LOPEZ RUIZ - "Jorge Lopez Ruiz Interpreta a JLR (Jorge Lopez Ruiz)".




viernes, 20 de agosto de 2021

LISA HILTON - "TRANSPARENT SKY" (2021)


Mientras Estados Unidos y otros países resurgen de las limitaciones de 2020, la pianista y compositora américana de jazz LISA HILTON y su trío con Rudy Royston (contrabajo) y Luques Curtis (bateria) abrazan con entusiasmo el momento con una nueva y vibrante oferta de jazz titulada "Transparent Sky", que nos inspirará, elevará y motivará a todos. Rica en armonías gloriosas y composiciones únicas, la banda de swing de Hilton irradia un aura blanqueada por el sol a los oyentes. A lo largo del álbum, Hilton, Royston y Curtis desarrollan una gama sorprendentemente amplia de ideas rítmicas de una variedad de géneros, mezclando magistralmente tradiciones clásicas con nuevos enfoques y un estilo optimista.

La grabación salta con la "Santa Monica Samba" con tintes latinos, seguida rápidamente con el igualmente enérgico "Random Journey" en esta colección de nueve originales, más una portada. “Lo que se desarrolló este año fue de mucho movimiento y acordes y armonías más ricos, lo que tiene sentido si se considera lo estático que fue el año pasado. Como músicos, debemos desafiarnos y también entretenernos, así que creo que por eso escribí inconscientemente con tantos cambios de ritmo y múltiples direcciones armónicas ", dice Hilton. "Living In Limbo", "Chromatic Chronicles", "Fall Upon a Miracle" e "Infinite Tango" destacan los múltiples ritmos creativos de las composiciones de Hilton y muestran amplias oportunidades para el bajo ágil de Curtis y los encantadores detalles de la batería de Royston.

Hilton tiene un don con las baladas, y "Nightingales & Fairy Tales" no es una excepción. Con su ligero guiño a Bill Evans en los años sesenta, esto tiene la creación de un clásico del jazz para una audiencia del siglo XXI. En el mismo vein, una versión de "God Bless The Child", coescrita por Billie Holiday y Arthur Herzog Jr, es encantadora y, como todas las pistas aquí, se presenta con habilidad y originalidad sin ser forzada. “Durante mucho tiempo he intentado grabar versiones de mujeres compositoras, porque en el jazz se les presta muy poca atención. Creo que es importante reconocer a las mujeres por su variedad de talentos y, al promoverlos, tal vez veamos menos discriminación en la música ”, reflexiona Hilton.

Poco a poco hacia el final del álbum, "Extraordinary Everyday Things" es un paisaje sonoro tranquilo y expresivo, pero con un giro sorpresa, Hilton termina con la canción principal, "Transparent Sky" como un sonoro solo de piano. "La melodía es hermosa y tiene un poco de swing, pero las ideas armónicas son bastante cromáticas y disonantes con sonoridades superpuestas / persistentes entre las líneas de compás". Ella dice: “Esta pieza debe tocarse con sensibilidad o sonará dura, pero así es como nuestra vida actual: vivimos en tiempos delicados y debemos ser conscientes de cómo nos conectamos y nos comunicamos. El piano solo transmite claramente esas delicadas armonías junto con las emociones. Se trata de aceptar nuestro mundo tal como es, pase lo que pase en ese momento. El mañana traerá lo que quiera, pero aún queda belleza por encontrar si la buscamos, en medio de la disonancia de nuestro tiempo ”. 

Lisa Kristine Hilton es una distinguida compositora de jazz, una aclamada pianista, líder de orquesta y productora. Al crecer en un pequeño pueblo en la costa central de California, originalmente aprendió por sí misma a tocar el piano con una guía de teclado de colores, escribiendo sus primeras canciones simples alrededor de los seis años, antes de comenzar sus estudios de música clásica y del siglo XX a los ocho años.

 En la universidad, dejó de estudiar música y se graduó con un título en arte. Este trasfondo artístico informa sus creaciones musicales: describe composiciones de “pintura” utilizando la improvisación y la armonía o la “escultura” con múltiples ideas rítmicas de diferentes culturas. La música de Hilton se basa en tradiciones clásicas y modernistas del siglo XX, así como en grandes clásicos del jazz estadounidense como Cole Porter, Thelonious Monk y Horace Silver, así como en los héroes del blues Muddy Waters y Robert Johnson. La música de Hilton encabeza anualmente las listas de jazz y aparece en programas populares como Pure Jazz Playlist de Apple Music.

 En el libro, "La nueva cara del jazz: una mirada íntima a las leyendas vivas de hoy y los artistas del mañana" de Cicily Janus, se afirma que Hilton ha sido "comparada con algunos de los mejores pianistas de la historia". Al señalar que la inmensa mayoría de la música que se interpreta en clubes de jazz y salas de conciertos hoy en día es de composiciones escritas por músicos masculinos, Hilton es franco sobre la importancia de presentar y escuchar música compuesta por mujeres en estos campos también.

Los Esperamos, cafecito de por medio, desde Jazz Cafe FM - Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar el Nuevo Album de la pianista y compositora de jazz LISA HILTON - "Transparent Sky".





ALEX NORRIS - "FLEET FROM THE HEAT" (2021)

 


Muchos artistas de muchas disciplinas realizan un trabajo extraordinario e inspirador con poca fanfarria, o engrandecimiento. El trompetista / compositor / director de orquesta / educador Alex Pope Norris es uno de estos artistas. sin embargo, el cognoscenti ha sido plenamente consciente de la prodigiosidad de Norris, y ya es hora de que el mundo se ponga de moda con un artista que
ha conquistado la torpeza de la trompeta y ha producido música digna de nuestra atención en el proceso.

Norris es un verdadero melodicista y un improvisor que come los cambios de acordes al estilo de Freddie y Lee. Los solos tienen una elegancia sencilla que contradice su rigurosa arquitectura. Su técnica no llama la atención sobre sí misma; en lugar de ostentación llamativa, su artesanía permite que los pasajes más concurridos se desarrollen sin anunciar el destreza que requieren. Todo eso, más un tono radiante y radiante, lo convierte en un excepcionalmente lírico pero no menos fogoso.
improvisador.

Alex Pope Norris, quien ha aparecido en cerca de 90 grabaciones como acompañante (muchas de ellas en Steeplechase), ahora celebra el décimo aniversario de su Quinteto, con el Album "Fleet From The Heat", su debut en Steeplechase Records, y su tercera grabación como líder. El álbum se compone de una combinación de material nuevo y antiguo.

 Los miembros de la banda, el "Quinteto favorito" de Norris,
el saxofonista tenor Ari Ambrose, el pianista Jeremy Manasia, el bajista Paul Gill y el baterista Brian Floody, son todos veteranos Músicos de jazz de la ciudad de Nueva York. "Nos conocemos en varios contextos durante más de 25 años", afirma Norris. con orgullo, y puedes escuchar su historia en cómo los músicos respiran y se conectan; la forma en que uno solo encaja con el siguiente; y la fluidez de la sección de ritmo, que proporciona un trampolín de apoyo para deslumbrar improvisaciones.

Si estas virtudes recuerdan las bandas clásicas de Horace Silver y Art Blakey, y las grabaciones de Freddie Hubbard yWayne Shorter, misión cumplida. Norris adora ese sonido, y capturar el espíritu de esas bandas era un objetivo, para "Fleet From The Heat"
Norris explica, “la mayor parte de mi carrera en el jazz ha sido como acompañante. He jugado en muchos de
las mejores big bands, innumerables proyectos de grupos pequeños que van desde lo tradicional hasta lo altamente complejo yexperimental, que cubre una amplia gama de estilos, y ha estado profundamente involucrado con una gran cantidad de proyectos de jazz latino.

A través de los años. Con este lanzamiento de Steeplechase, intento representar un lado de mi interpretación y escritura que se basa en mi amor por el jazz swing y directo, con un viejo espíritu para un mundo en constante cambio ".

Norris tuvo la oportunidad de grabar su Quintet directamente de Nils Winther, propietario de Steeplechase. "Él sabía mi interpretación a través de mis apariciones de sideman en otras sesiones de carreras de obstáculos de George Colligan, Ari Ambrose (quien aparece en esta grabación), y el saxofonista Gregory Tardy. De hecho, fue Tardy quien le recomendó a Nils que me tuviera en cuenta como líder de la carrera de obstáculos ”, explica Norris.

Alex es un gran músico..." - Betty Carter

“El trompetista Alex Norris es excelente en todo momento, con un sonido rico e impecable, una imaginación fértil y entrega fluida y rítmicamente variada ". - Revista JazzTimes

“Un improvisador astuto que ocasionalmente revela la influencia de Miles Davis. . . "- Allaboutjazz.com

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de la presentación exclusiva del Nuevo Album del trompetista y compositor américano de jazz ALEX NORRIS - "FLEET FROM THE HEAT".




miércoles, 18 de agosto de 2021

JAMES GILMORE - "DECORATING TIME" (2021)


"Tengo un conocimiento mecánico básico del funcionamiento del instrumento, y tengo imaginación, y cuando llega el momento en la canción para tocar ... soy yo contra las leyes de la naturaleza ... es un juego, donde tú toma un poco de tiempo y puedes decorarlo ". - Frank Zappa

"Decorating Time" es el Nuevo Album del guitarrista y compositor américano JAMES GILMORE, acompañado por BUTLER KNOWLES en contrabajo y KASSEN WILLIAMS en bateria, editado en Agosto del 2021 por el sello EARS&EYES RECORDS.

 El grupo tiene un sonido oscuro y rico con una comunicación y unión fantásticas. De hecho, el espíritu parece ser dar prioridad al sonido del grupo en todo momento. Debido a esto, hay un abandono, una ventaja y una energía pura en la música. También hay, a veces, una dulzura y algunos gusanos de oído sorprendentes ("El goteo"). Hay sonidos 'fuera' y algo de tiempo libre (por ejemplo, en el 'Theme for Kassem' en forma de onda), pero el lenguaje rítmico es funk y postbop: los oyentes deben salir con la sensación de haber atravesado algunas puertas inesperadas. en los retorcidos pasajes de la tradición del jazz. En la interpretación de Gilmore se puede escuchar el trabajo y el esfuerzo por absorber los sonidos que dieron forma a su generación de guitarristas, pero el resultado tiene aristas y siempre más que un tinte de blues. El uso de efectos de Gilmore, cuando los usa, tiene una dimensión compositiva (por ejemplo, en 'The Soul Is A Lattice' y 'Theme for Kassem'), pero en su mayor parte, su tono es sobrio, natural y limpio, dando la sala de música para respirar y permitir que las composiciones hablen por sí mismas. Al navegar por sus propias canciones, Gilmore a menudo parece hacer todo lo posible para encontrar ángulos en la música: está alerta y quiere que tú también lo estés. En medio de este estiramiento, su alcance a veces excede su alcance, pero el resultado siempre obliga.
Williams y Knowles brillan por igual. El rico y matizado vocabulario de Williams es especialmente potente en el contexto de las melodías, aportando nitidez y una comprensión segura del lenguaje del jazz a las composiciones de Gilmore, por turnos, misteriosas y dulces. Sin embargo, es en las melodías libres donde Williams realmente brilla. En la reinvención del grupo de 'Crazy' Williams de Willie Nelson, se libera completamente de Knowles 'y el pulso de Gilmore juntos pero no juntos con un reluciente golpeteo de platillos y trampas que uno asocia con Milford Graves o Andrew Cyrille.

Knowles, por su parte, posee un sonido masivo y nunca parece quedarse sin ideas, lo que hace que su interpretación sea perfecta para un álbum en trío. Al igual que Gilmore y Williams, Knowles está conformado por el ecosistema musical central de Carolina del Norte: para trabajar, uno debe tener "los bienes". Pero (como con Gilmore) los oyentes reconocerán el sello inconfundible de la vanguardia de los sesenta en la forma de tocar de Knowles, especialmente Richard Davis y Charles Mingus.
Tanto en la interpretación de Knowles como de Williams hay una seriedad y un compromiso palpables, y un compromiso con la música, cualidades que a menudo faltan en los músicos más jóvenes con mucha técnica.
Todas las canciones son composiciones originales, excepto la reimaginación de Gilmore y compañía de "Crazy" de Willie Nelson.

James Gilmore es un guitarrista y compositor originario de Mt. Desert Island, Maine. Actualmente reside en Greensboro, Carolina del Norte. Es cofundador y miembro de The Out and Gone Music Collective, un grupo de improvisación y sello musical con sede en Carolina del Norte. Es el fundador y organizador de "FIMS: Free Improvised Music Series", una serie de actuaciones semestrales. Las grabaciones de estas actuaciones en 2017 se publicaron como Bag of Tricks (vols. 1-3) en Out and Gone Music.

"Me encanta la música de James Gilmore porque es intrépida y experimental, al tiempo que conserva un núcleo emocional". -Jordan Green Triad City Beat.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar la presentación exclusiva del nuevo Album del guitarrista JAMES GILMORE-"Decorating Time".




RODRIGO DOMINGUEZ - "BOROCOTOPO" (2021)


El saxofonista alto y compositor Rodrigo Domínguez, quien ha sido solicitado y con visión de futuro en la escena del jazz de Buenos Aires durante décadas, se une a una sección rítmica de estrellas y de toda la vida de Mariano Otero (bajo) y Sergio Verdinelli (batería). 

Hay un poco de rock. Un poco gratis. Y un poco flotante. Hay ritmos contundentes que van y vienen, se abren con una sensación de cielo y un soporte de bajos eléctricos errantes. Hay melodías sueltas seguidas de orquestación y solos que nunca "son los mismos ol´same ol´" (tome la fuga al estilo Barque del dúo entre saxo y corneta en Miyazaki. La comunicación entre los tres (y luego los cuatro con los invitados) que corre profundo y solo puede ser presentado por personas que tienen una conexión que abarca horas y horas (y luego años) jugando e improvisando juntos. Los mazos errantes de los timbales y las melodías flotantes de Bolero son relajantes, ya que recuerdan a Paul Motian, incluido un indicio del toque de bajo eléctrico de Steve Swallow. Las vibraciones de rock intensamente suave en Bill son contagiosas y cuentan con Sergio Wagner en cornet. Las repetidas dobles paradas (acordes) del bajo de Oteros en Enamorada del Muro concluyen el álbum con una tranquila introspectiva sobre el suave toque de Domínguez.

"BOROCOTOPO" es un grupo creado por Rodrigo Domínguez, y gracias a la aceptación de sus amigos Mariano Otero y Sergio Verdinelli, se ha convertido en un referente en la escena del jazz “free-ish” porteño.

Este Alter Ego de Domínguez, "BOROCOTOPO", permite la canalización de una música muy particular, muy juguetona y algo inocente ya que a "BOROCOTOPO" no le importa "lo que dirán". Sumergiéndose en sus profundidades musicales, este grupo utiliza todo lo que tiene a su alcance: groove, melodías sencillas, atonalismo, ruido, etc. pero siempre con un altísimo grado de interacción: "¡BOROCOTOPO" juega con sus amigos! "¡BOROCOTOPO" quiere compartir su primer álbum con todos!

El grupo se formó a principios de 2018, a partir de la idea de hacer música que tuviera los componentes principales de groove, improvisación libre y melodía cantable, y también el uso exclusivo (por primera vez en su carrera) del saxo alto como un instrumento principal. Domínguez, Otero y Verdinelli, llevan muchos años tocando juntos, y han desarrollado un lenguaje y una compenetración muy especial, pero con esta formación, en algún momento, empezó a surgir música que parecía venir de otra parte, que no lo haría. han trabajado lo mismo en otro contexto u otra instrumentación. Entonces surgió el nombre, que es una deformación infantil (porque así lo entendió Rodrigo Domínguez) de un personaje de dibujos animados de los años setenta. Estaba claro que esta música extrajo su vitalidad e inocencia de esa infancia y de ahí el uso de “música de dibujos animados” al describir aspectos de este proyecto.

En 2019 el trío recorrió varias ciudades dentro de Argentina, y en esa gira se consolidó el repertorio y la personalidad del grupo. En algunos conciertos se sumaron Ernesto Jodos en Fender Rhodes y Sergio Wagner en corneta y aportaron colores tan vibrantes al trío que se decidió invitarlos a la grabación. El álbum fue grabado en enero de 2020, justo antes de la pandemia de COVID-19, y era una fotografía de esa evolución. ¡La música sigue evolucionando desde entonces!

El Album "Borocotopo" es editado por el sello Ears&Eyes Records.

Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina de Jazz para escuchar y disfrutar de la Premiere Exclusiva del nuevo Album del saxofonista argentino RODRIGO DOMINGUEZ-"Borocotopo"



domingo, 15 de agosto de 2021

JOE LOVANO - "GARDEN OF EXPRESSION" (2021)


"Garden Of Expression" es el Nuevo Album del gran saxofonista américano de jazz JOE LOVANO, con Su Trio Trapestry: la pianista MARYLIN CRISPELL y el percusionista CARMEN CASTALDI; editado por el sello alemán ECM RECORDS.

JOE LOVANO define así a Su Trio Tapestry: "un tapiz musical melódico, armónico y rítmico, que mantiene los estados de ánimo y las atmosferas".

Los ocho temas del Album fueron compuestos por el propio JOE LOVANO, en esteNuevo Album "Garden Of Expression", el segundo grabado para ECM se rinde tributo a las victimas por el COVID-19.

JOE LOVANO se luce interpretando: saxo tenor / saxo soprano & tarogato y gongs.

El Album "Garden of Expression" fue grabado en el Auditorio Stelio Molo RSI, Lugano, Suiza, en Noviembre del 2019.

Michael Ullman, que escribe para The Arts Fuse, declaró: "Es un logro de grupo notable, una serie de piezas inteligentemente meditativas que demuestran no tanto el virtuosismo instrumental individual de los músicos como su virtuosismo como oyentes y como socios sugerentes y solidarios. es una serie de meditaciones ". 

Steve Futterman de The New Yorker escribió:" Como atestiguarán sus muchos admiradores, el saxofonista Joe Lovano puede encender el jugo, soplando fuerte y fuerte, siempre que sea necesario. Swinger de jazz de sangre y un improvisador libre sin restricciones están perfectamente en orden. Sin embargo, su trabajo más satisfactorio puede estar en exhibición cuando enfría sus jets y permite que su lado amable salga a la luz ". 

Mike Hobart del Financial Times señaló , "Aunque el saxofón es la voz dominante, el espíritu colectivo es alto. Crispell sigue de cerca las líneas de pensamiento de Lovano con una amplia gama de voces y fragmentos melódicos de su propia invención y mantiene la atención de uno. al tomar la iniciativa. Sin un bajo constante, Castaldi puede tocar el pulso de esta manera, decorar frases y retumbar y rugir cuando sea necesario ". 

John Fordham de The Guardian agregó:" Garden of Expression trata tanto de los espacios entre los sonidos como de los sonidos en sí mismos. - pero, como en la meditación, son espacios que resuenan con historias ".

 La reseña de Morning Star calificó el álbum como" ejemplar, lleno de jazz instrumental espacioso y reflexivo ". 

Los invitamos a dsifrutar de la composción de JOE LOVANO-"Garden of Expression".

En Argentina el Nuevo Album del saxofonista JOE LOVANO - "Garden Of Expression", se puede conseguir en SITE MUSIC


Los Esperamos, cafecito de por medio, en Jazz Cafe FM-Radio Argentina para escuchar la presentación exclusiva del Nuevo Album del saxofonista JOE LOVANO con Su Trio Trapestry-"Garden of Expression".